Tahun 1950-an dianggap sebagai Zaman Keemasan sinema Jepang. Setelah Perang Dunia II dan khususnya bom atom, dan pendudukan Amerika berikutnya meninggalkan negara itu terluka, tetapi dipenuhi dengan inspirasi dan keinginan untuk memulai kembali.
Ketika ekonomi Jepang mulai bangkit sekali lagi, muncul lima studio besar yang membentuk sinema Jepang. Toho, Daiei, Shochiku, Nikkatsu, dan Toei mempekerjakan seniman paling berbakat pada zaman itu dan membiayai film mereka, dalam sebuah taktik yang menghasilkan banyak mahakarya. Dalam prosesnya, mereka juga menghasilkan banyak uang, karena orang-orang, yang kantongnya terisi karena pertumbuhan ekonomi yang cepat, memenuhi bioskop.
Pada saat yang sama, kehebatan perfilman Jepang menjadi fenomena internasional, dengan film-film yang memenangkan penghargaan di Venesia, Cannes, bahkan Oscar. Pembuat film seperti Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi, Yasujiro Ozu, dan Masaki Kobayashi diakui sebagai Master, dengan film mereka pada dekade ini masih dianggap sebagai yang terbaik sepanjang masa.
Selanjutnya, selama dekade ini, film berwarna pertama disajikan dan genre baru didirikan yang kemudian menjadi salah satu yang paling populer di negara ini. Itu bernama “Kaiju”, dan karakternya yang paling terkenal adalah Godzilla.
Nah, berikut ini adalah 20 produksi terbaik sinema Jepang dekade ini yang telah disusun oleh Taste of Cinema.
1. Rashomon (Akira Kurosawa, 1950)
Rashomon dianggap sebagai film yang memperkenalkan sinema Jepang ke panggung global, dengan Kurosawa menjaring Honorary Award dari Oscar ke-24 dan Golden Lion di Festival Film Venesia, di antara banyak film lainnya. Saat ini, Rashomon dipuji sebagai salah satu film terbesar yang pernah dibuat.
Seorang penduduk desa dan seorang pendeta menemukan pelipur lara dari hujan di bawah gerbang Rashomon dan segera setelah itu, pejalan kaki lain bergabung dengan mereka. Menunggu badai berlalu, mereka menyibukkan diri dengan membahas kejahatan keji yang terjadi di hutan terdekat, di mana seorang samurai disiksa sampai mati dan istrinya diperkosa. Tersangka utama adalah penjahat terkenal.
Ketiga pria itu mencoba mencari kebenaran, menggunakan ingatan mereka tentang kesaksian penebang kayu yang menemukan mayat, serta kesaksian dari terdakwa Tajomaru, janda yang diperkosa, dan arwah almarhum lewat sebuah medium.
Kurosawa mengarahkan sebuah film yang berputar di sekitar cara manusia memandang dan menafsirkan realitas dengan menggunakan sejumlah teknik yang belum pernah terjadi sebelumnya, seperti berbagai karakter yang memberikan versi alternatif dan bahkan kontradiktif dari kejadian yang sama.
Terakhir, film ini menyuguhkan bidikan langsung matahari, sebuah aksi yang hingga saat itu dianggap tabu, dalam sebuah rangkaian yang mencontohkan sinematografi Kazuo Miyagawa yang luar biasa.
2. Repast (Mikio Naruse, 1951)
Repast adalah adaptasi Naruse pertama dari novel karya Fumiko Hayashi, dan dikreditkan dengan menghidupkan kembali genre shomin-geki yang berarti kelas pekerja di era 50-an.
Menikah selama lima tahun tetapi tanpa anak, Hatsunosuke dan Michiyo menjalani kehidupan yang lancar di Osaka, dengan dia mengabaikannya, dan dia tidak puas dengan perilakunya dan pekerjaan rumah tangga. Rutinitas mereka terganggu oleh kemunculan keponakan Hatsunosuke, Satoko.
Suatu malam, Michiyo menemukan dia dan suaminya terbaring di lantai sendirian dan memutuskan untuk pergi, dan membawa Satoko bersamanya ke Tokyo, tempat mereka berdua dibesarkan.
Di rumah keluarganya, dia menikmati makanan dan sisanya, meskipun ibunya terus-menerus mengingatkannya akan tugasnya. Akhirnya, Hatsunosuke datang untuk menemukannya.
Naruse mengarahkan film tentang ketidakpuasan kehidupan sehari-hari, terutama dari sudut pandang perempuan. Pandangannya tentang masalah pernikahan berasal dari ungkapan yang diucapkan Michiyo, bahwa dia ingin seseorang merawatnya daripada berpartisipasi dalam pernikahan yang setara.
Film ini memiliki banyak dialog dan hampir tidak ada aksi, dan dengan cara itu, film ini sangat berfokus pada penampilan para aktor, sebuah sifat yang menjadi semakin penting, mengingat Naruse biasanya memberikan kebebasan yang lebih kreatif kepada para aktornya.
Pemerannya menampilkan beberapa aktor terhebat di zaman itu, termasuk Ken Uehara, Kinuyo Tanaka, Hideko Takamine, dan Setsuko Hara, hasil taktiknya luar biasa.
3. Carmen Comes Home (Keisuke Kinoshita, 1951)
Komedi musikal ini adalah film Jepang pertama yang seluruhnya berwarna, dan merayakan 30 tahun Shochiku beroperasi.
Difilmkan menggunakan Fujicolor, dan teknisi perusahaan menyarankan bahwa proses yang masih eksperimental akan bekerja paling baik di lokasi luar ruangan. Mengingat hal itu, Keisuke Kinoshita menulis naskah tentang Lily Carmen, seorang bintang pertunjukan striptis Tokyo, yang kembali ke desanya yang damai bersama temannya, Maya. Kedua gadis itu menyebabkan kehebohan dengan pakaian skandal mereka dan nyanyian dan tarian mereka, menghibur desa, tetapi menyebabkan malu ayah Carmen.
Film ini sebenarnya adalah komedi musikal yang santai, yang mengambil keuntungan sebanyak mungkin dari popularitas dan penampilan Hideko Takamine. Selanjutnya, Kinoshita menyindir pengaruh budaya Amerika di Jepang pascaperang, dalam sebuah film yang akhirnya menjadi salah satu yang paling dicintai dalam filmografinya.
4. Life of Oharu (Kenji Mizoguchi, 1952)
Salah satu kreasi terbesar dari Kenji Mizoguchi, Life of Oharu memenangkan Penghargaan Internasional di Festival Film Internasional Venesia 1952 dan dinominasikan untuk Golden Lion.
Oharu adalah seorang wanita yang menunggu dipersunting, sampai dia jatuh cinta dengan seorang pemuda. Keduanya menghabiskan malam di sebuah penginapan, tetapi karena hubungan mereka dilarang, dia dijatuhi hukuman mati, dan dia, bersama keluarganya, diasingkan, sehingga memulai spiral yang tidak pernah berakhir menuju tragedi.
Di pengasingan mereka, ayahnya, yang sangat malu dengan tindakannya, melacurkannya, dan dia berakhir sebagai nyonya tuan setempat, dengan “misi” untuk melahirkan anak-anaknya. Ketika dia berhasil, dia sekali lagi kembali ke rumahnya, di mana ayahnya melacurkannya sekali lagi.
Dalam salah satu film paling menyedihkan yang pernah dibuat, Mizoguchi berhasil menghindari karang sentimentalitas, dan kemudian, melodrama. Sebagai gantinya, dia membuat film yang membuat komentar yang jelas tentang wanita dan status mereka di Jepang feodal.
Selain itu, dia tidak menggunakan klimaks yang megah untuk menarik sentimen, karena drama ini terutama muncul dari fakta bahwa Oharu disalahartikan oleh masyarakat dan keluarganya.
Kinuyo Tanaka memberikan kinerja yang luhur sebagai Oharu, dan sebagai ayahnya, Ichiro Sugai berhasil menggambarkan secara realistis manusia yang benar-benar tercela.
5. Ikiru (Akira Kurosawa, 1952)
Ikiru dianggap oleh banyak orang sebagai salah satu film terbaik dari Akira Kurosawa, terutama karena humanisme yang dipancarkannya dan kritik kerasnya terhadap birokrasi.
Ceritanya berfokus pada seorang pegawai negeri setengah baya, kepala departemen Kasus Publik, yang telah melakukan pekerjaan yang sama selama lebih dari 30 tahun, bahkan menerima penghargaan karena tidak melewatkan satu hari pun kerja.
Suatu hari, dia mengetahui bahwa dia menderita kanker perut, penyakit yang membuatnya hanya memiliki satu tahun untuk hidup. Saat dia mulai merefleksikan hidupnya, untuk pertama kalinya menyadari kesia-siaannya, dia memutuskan untuk menemukan tujuan.
Setelah menghabiskan beberapa waktu di Jepang pada malam hari, pertama dengan seorang penulis eksentrik dan kemudian dengan mantan kolega, ia memutuskan untuk mendedikasikan sisa hidupnya untuk memenuhi tuntutan sekelompok wanita, yang ingin mengubah daerah yang tercemar menjadi sebuah taman bermain. Dalam usahanya, ia harus menghadapi mekanisme birokrasi yang kejam.
Kurosawa membuat komentar yang jelas tentang birokrasi dan orang-orang yang membentuknya, menampilkan mereka sebagai individu yang benar-benar tercela. Kritik keduanya menyangkut generasi pascaperang, yang dipengaruhi oleh peradaban Barat yang baru ditemukan, telah kehilangan setiap hubungan dengan akar dan nilai-nilai tradisional Jepang.
Ikiru adalah film pertama di mana Kurosawa memutuskan untuk melakukan pengeditannya sendiri dan hasilnya luar biasa, dengan semua kecakapan teknis dan estetika film menjadi jelas dalam adegan terakhir di taman bermain.
6. Gate of Hell (Teinosuke Kinugasa, 1953)
Gate of Hell adalah salah satu landmark dekade ini karena sejumlah alasan. Menggunakan Eastmancolor, itu adalah film berwarna pertama Daiei Film dan film berwarna Jepang pertama yang dirilis di luar Jepang.
Film tersebut memenangkan Oscar untuk Film Berbahasa Asing Terbaik dan Desain Kostum Terbaik, Palme d’Or di Festival Film Cannes 1954, dan Golden Leopard di Festival Film Internasional Locarno.
Naskahnya didasarkan pada drama teater oleh Kan Kikuchi dan terjadi pada tahun 1159. Selama kudeta, Morito, seorang prajurit kekaisaran, jatuh cinta pada seorang dayang bernama Kesa, yang menikah dengan Wataru. Morito memutuskan untuk membunuhnya dan meminta bantuan Kesa untuk melakukannya.
Teinosuke Kinugasa menyutradarai film thriller psikologis yang penuh dengan intrik, tragedi, dan gairah. Namun, aset terbesar film ini terletak pada departemen teknis, karena menampilkan sinematografi, kostum, dan desain set yang agung.
Secara khusus, pembukaan adegan pertempuran, pacuan kuda, dan konfrontasi terakhir begitu rumit sehingga masih terlihat memukau, bahkan setelah bertahun-tahun.
7. Tokyo Story (Yasujiro Ozu, 1953)
Magnum opus Yasujiro Ozu dianggap sebagai salah satu film Jepang paling asli sepanjang masa, dan pada tahun 2012, para pembuat film memilihnya sebagai film terbaik sepanjang masa, menggantikan Citizen Kane di puncak jajak pendapat sutradara “Sight & Sound”.
Berlatar di Tokyo delapan tahun setelah berakhirnya Perang Dunia II, film ini berkisah tentang kunjungan pasangan tua untuk menengok anak-anak mereka, yang tinggal bersama keluarga mereka di kota metropolitan yang terus berkembang. Anak-anak mereka, bagaimanapun, tampaknya tidak ingin banyak bergaul dengan mereka, dan akhirnya meninggalkan mereka di sebuah penginapan di sebuah resor wisata.
Ozu mengarahkan sebuah film yang memiliki kecenderungan nyata terhadap nilai-nilai tradisional masyarakat Jepang, berbeda dengan nilai-nilai baru yang dihasilkan dari modernisasi Jepang yang berkecamuk dalam beberapa dekade setelah perang. Dengan cara itu, pasangan lansia tampak bahagia dan penuh cinta, dibandingkan dengan keluarga anak-anak mereka yang tampak tersiksa oleh masalah yang disebabkan oleh masyarakat modern.
Namun, Ozu menghindari melodrama dengan berfokus pada gambar daripada dialog, untuk mengekspresikan pandangannya. Ada tiga ciri utama sinematografi Ozu. Yang pertama adalah penempatan kamera tiga kaki di atas lantai, setinggi mata orang Jepang yang duduk di atas tikar tatami, untuk menghilangkan ruang dan membuat ruang dua dimensi.
Tujuan dari teknik ini adalah untuk membuat penonton merasa seolah-olah mereka benar-benar berpartisipasi dalam film, sehingga menjadi lebih reseptif terhadap karakter.
Kedua, dia hampir tidak pernah menggerakkan kamera, karena setiap bidikan dimaksudkan untuk memiliki komposisinya sendiri yang sempurna. Bahkan, di Tokyo Story hanya bergerak sekali. Ketiga, selama dialog, Atsuta menempatkan kameranya di antara orang-orang yang sedang berbicara, untuk membuat penonton merasa seperti sedang berdiri di tengah-tengah percakapan.
Semua teknik ini diimplementasikan dengan film ini, dengan cara yang paling indah.
8. Ugetsu Monogatari (Kenji Mizoguchi, 1953)
Film ini mungkin merupakan film Kenji Mizoguchi yang paling terkenal, dan dianggap sebagai bagian definitif dari Zaman Keemasan sinema Jepang.
Di Jepang abad ke-16, dua petani ambisius ingin mengubah nasib mereka. Genjuro, seorang pembuat tembikar, bermimpi pergi ke Kyoto untuk menjual barang dagangannya dan Tobei, menantunya, bercita-cita menjadi seorang samurai.
Namun, karena perang saudara, desa mereka benar-benar dimusnahkan oleh tentara, tetapi kedua pasangan itu berhasil bertahan hidup. Ketika mereka meninggalkan desa mereka, mereka bertemu dengan sebuah perahu di Danau Biwa, yang penumpang satu-satunya memperingatkan mereka untuk kembali, sebelum dia meninggal.
Para pria memutuskan untuk mengirim kembali istri mereka dan menjual barang dagangan Genjuro di pasar. Mereka menjual dengan baik dan Tobei mengambil bagiannya dan mencoba untuk memenuhi mimpinya.
Sementara itu, Wakasa, seorang wanita bangsawan, menunjukkan minat pada produk Genjuro dan mengundangnya ke rumahnya.
Mizoguchi mengarahkan sebuah film yang mengabaikan setiap norma sinema, dalam prosesnya menciptakan tontonan puitis dan anti-realistis, karena sifatnya yang tampaknya melodramatis dipengaruhi oleh dunia roh.
Selain itu, beberapa adegannya yang paling terkenal disertakan di sini, dengan bantuan sinematografer Kazuo Miyagawa.
Adegan pertama terjadi di awal film, saat kamera bergerak melintasi lanskap, dengan gaya lukisan gulir tradisional Jepang, dalam salah satu karakteristik Mizoguchi yang paling berbeda.
Yang kedua dan paling terkenal adalah adegan di danau dengan tukang perahu. Adegan itu sebagian diambil dalam tangki dengan latar belakang studio, tetapi sinematografi dan gerakannya diimplementasikan dengan sangat sempurna sehingga adegan tersebut terlihat 100 persen alami.
9. Godzilla (Ishiro Honda, 1954)
Genre “kaiju” dimulai dengan film ini, yang menandai kemunculan pertama dari salah satu karakter paling ikonik dari sinema global: Godzilla, dinosaurus setinggi 400 kaki dengan fitur dan karakteristik Tyrannosaurus Rex yang berbeda.
Godzilla dibangunkan oleh ledakan bom atom, dan muncul dari laut untuk mendatangkan malapetaka, awalnya di beberapa desa nelayan dan kemudian ke Tokyo.
Monster itu tampaknya tersedot oleh listrik, dan tidak terlalu tertarik pada manusia, yang terbunuh dalam jumlah banyak saat Godzilla melewati kota. Militer tampaknya tidak mampu menghadapinya dan satu-satunya harapan terletak pada penemuan seorang ilmuwan.
Film ini memiliki dampak besar pada penonton Jepang, yang sebagian besar tertarik dengan eksploitasi yang jelas dari ingatan baru-baru ini tentang bom atom, dan konsep kaiju, yang belum pernah terjadi sebelumnya di Jepang.
Film ini memiliki efek khusus yang luar biasa oleh Eiji Tsuburaya, yang menciptakan adegan penghancuran yang luar biasa menggunakan model yang diproduksi alih-alih grafik komputer, dan pemeran all-star yang dipimpin oleh Takashi Shimura.
Lebih jauh lagi, konsep ilmuwan yang mengorbankan dirinya mendapatkan daya tarik yang besar di kalangan penonton Jepang, dengan konsep Kamikaze dalam Perang Dunia II yang sama barunya dengan konsep bom.
10. Seven Samurai (Akira Kurosawa, 1954)
Mahakarya Akira Kurosawa adalah salah satu film paling berpengaruh sepanjang masa: Seven Samurai.
Film hitam putih ini berkisah tentang tujuh samurai pengembara yang disewa untuk membela penduduk desa kecil yang kumuh, yang diancam oleh bandit, sementara pembayaran mereka hanyalah beras.
Kurosawa menyertakan semua estetika Zaman Keemasan sinema Jepang, termasuk bentuk, kecepatan, penggambaran karakter, dan aksi koreografi yang luar biasa untuk menghadirkan film yang unggul di semua departemen.
Bersama dengan sinematografernya, Asakazu Nakai, ia berhasil menggambarkan gambar dengan detail dan detail yang menakjubkan, yang terutama terlihat dalam urutan aksi, saat Kurosawa memandu kamera dengan sangat baik.
Sinematografi yang luar biasa menemukan puncaknya di urutan akhir, di mana samurai melawan bandit. Penggunaan lensa telefoto, bersama dengan pemotongan cepat, menekankan perasaan kacau dan sesak yang dipancarkan pemandangan itu.
Seven Samurai menjadi dasar dari banyak film, dengan The Magnificent Seven karya John Sturges menjadi adaptasi langsung.
11. Late Chrysanthemums (Mikio Naruse, 1954)
Dalam salah satu filmnya yang paling sukses, Mikio Naruse menggabungkan tiga cerita pendek oleh penulis perempuan Fumiko Hayashi, tentang tiga mantan geisha.
Kin telah menyimpan sebagian besar uang yang dia hasilkan sebagai geisha, dan sekarang menjadi rentenir. Kecintaannya pada uang begitu ekstrem sehingga ketika dia tidak berkeliling membuat koleksi, dia duduk di rumah dan menghitungnya. Namun, dia segera menyadari bahwa para pria dan teman-temannya hanya bergaul dengannya untuk meminjamkan uang.
Tamae bekerja sebagai pembantu rumah tangga di sebuah hotel dan sangat mengkhawatirkan putranya yang berusia 24 tahun, yang masih tinggal bersamanya. Tomi juga tinggal bersama mereka, tetapi dia adalah seorang pecandu alkohol dan penjudi. Keduanya berutang uang kepada Kin.
Naruse mempertahankan keseimbangan yang halus antara komik dan dramatis, seperti yang disajikan melalui keputusasaan ketiga wanita tersebut. Namun, komentar sosialnya tersembunyi dengan baik di bawah realisme yang meresap, dan tidak terungkap sampai klimaks yang menakjubkan.
Haruko Sugimura memberikan penampilan yang luar biasa sebagai Kin, seorang wanita yang mencoba menyeimbangkan kecintaannya pada uang dan sifatnya yang penuh perhitungan dengan rasa kesepian yang terus-menerus dia rasakan.
12. The Sound of the Mountain (Mikio Naruse, 1954)
Film ini diadaptasi dari novel oleh penulis pemenang Hadiah Nobel Yasunari Kawabata, dan merupakan karya favorit Mikio Naruse.
Shuichi, seorang pengusaha sukses, tinggal bersama istrinya, Kikuko, dan orang tuanya, Shingo dan Yasuko. Kikuko adalah istri teladan dan merawat orang tua suaminya, tetapi Shuichi memiliki gundik. Ketika Shingo mengetahui hal ini, dia mengunjungi gadis itu, dan terkejut mengetahui bahwa dia hamil dan berencana untuk menjaga bayinya.
Peristiwa ini, bersama dengan kehamilan Kikuko dan pernikahan putrinya yang gagal, yang juga memaksanya untuk pindah ke rumah bersama kedua anaknya, membuat Shingo melihat lebih dekat perannya sebagai ayah dan patriark.
Dikisahkan dari sudut pandang Shingo, film ini berfungsi sebagai meditasi penuaan, sekaligus menekankan amoralitas generasi pascaperang. Shingo menyalahkan dirinya sendiri atas pernikahan anak-anaknya yang gagal dan dia merasa menyesal atas tindakan masa lalunya. Rasa bersalah ini memprovokasi dia untuk berpikir tentang kehidupan, cinta, dan persahabatan.
Saat Naruse meninjau kembali tema-tema yang sebelumnya diungkapkan di Repast, ia mengarahkan film penghormatan, dengan kecenderungan ini bahkan meluas ke set dan lokasi, yang dirancang agar terlihat seperti rumah dan lingkungan Kawabata sendiri.
13. The Burmese Harp (Kon Ichikawa, 1956)
Selama hari-hari terakhir Perang Dunia II, sekelompok tentara Jepang, yang memainkan musik mereka untuk meningkatkan moral, menyerah kepada pasukan Inggris di Burma setelah mereka diberitahu bahwa Jepang telah menyerah.
Di sebuah kamp, kapten Inggris meminta dari Mizushima, seorang prajurit yang memainkan harpa, untuk membujuk sekelompok tentara Jepang yang masih berjuang untuk menyerah. Namun, melalui sejumlah peristiwa malang, Mizushima akhirnya terluka, menerima bantuan seorang biarawan.
Suatu hari, ia memutuskan untuk berdandan sebagai seorang biarawan, mencuri pakaian penyelamatnya dan mencukur kepalanya, agar tidak diakui sebagai seorang tentara. Tindakan pelestarian diri ini akhirnya mengubahnya secara esoteris, ketika ia memutuskan untuk merawat ratusan orang mati di negara itu.
Kon Ichikawa mengadaptasi novel anak-anak karya Michio Takeyama, untuk menyajikan alegori tentang identitas bangsa Jepang yang hilang, setelah kekalahan mereka dalam perang dan berlalunya kekaisaran lama.
Film ini berjalan lambat dan melankolis, meskipun pengertian umum ini sering terganggu oleh musik grup. Dalam aspek itu, The Burmese Harp kadang-kadang berfungsi sebagai musik yang tidak biasa.
Film ini menampilkan sinematografi yang menakjubkan oleh Minoru Yokoyama, yang menyajikan gambar keindahan yang ekstrim, terutama di lingkungan alam.
14. Sansho the Bailiff (Kenji Mizoguchi, 1956)
Salah satu film terhebat dari Kenji Mizoguchi dan sinema Jepang, Sansho the Bailiff adalah mahakarya audio-visual sejati.
Naskahnya berkisah tentang seorang saudara lelaki dan perempuan, yang keluarganya telah dihancurkan oleh seorang gubernur yang saleh, dan beberapa tahun kemudian oleh seorang pendeta yang jahat. Anak-anak akhirnya berakhir di kamp budak, di mana Sansho the Bailiff bertanggung jawab.
Mizoguchi membahas tema balas dendam, saat ia mengeksplorasi sifat tidak manusiawi dari banyak individu. Dalam lapisan yang lebih dalam, melalui simbolisme, ia juga mengkritik keras sistem feodal Jepang.
Sansho the Bailiff juga menampilkan sinematografi yang rumit, yang melampaui aspek teknis dengan menggambarkan gambar yang penuh dengan simbolisme dan makna, dengan bantuan Kazuo Miyagawa, kolaborator tetap Mizoguchi.
Karena gaya Mizoguchi sangat terinspirasi oleh komposisi dan suasana lukisan tradisional Jepang, gerakan dalam film cenderung muncul secara vertikal daripada horizontal, dan seringkali, bahkan secara diagonal. Film ini juga menampilkan bidikan panjang Mizoguchi yang berbeda dan berseni, yang bertujuan untuk menempatkan karakter dalam lingkungan simbolis mereka.
Simbolisme juga hadir dalam gerakan, karena gerakan ke kiri menunjukkan mundur dalam waktu, dan ke kanan, maju. Gerakan ke atas menunjukkan harapan, dan ke bawah sebaliknya.
15. Trilogi Samurai (Hiroshi Inagaki, 1954, 1955, 1956)
Trilogi ini didasarkan pada novel Musashi oleh Eiji Yoshikawa, yang mengikuti pertumbuhan pendekar pedang Jepang yang terkenal dari seorang pemuda menjadi seorang samurai yang bijaksana.
Bagian pertama memenangkan Oscar 1955 untuk Film Berbahasa Asing Terbaik, dan triloginya dianggap salah satu yang paling berpengaruh di dunia perfilman.
Toshiro Mifune tampil memukau sebagai Miyamoto Musashi di ketiga film tersebut, dalam salah satu karyanya yang menjadikannya sebagai salah satu aktor terbesar pada masa itu di Jepang. Koji Tsuruta, yang berperan sebagai musuh bebuyutannya, Sasaki Kojiro, juga hebat, dengan duel mereka di akhir bagian ketiga menjadi puncak trilogi.
Pertarungan semuanya menakjubkan, dengan cara yang realistis, karena mereka paling diuntungkan oleh koreografi aksi Yoshio Sugino, tetapi triloginya lebih dari sekadar fitur aksi. Ini berkaitan dengan penemuan diri Musashi, yang akhirnya membawanya menjadi seorang filsuf, saat ia menulis The Book of the Five Rings.
Selanjutnya, trilogi ini merupakan bukti budaya dan psikologi Jepang.
16. Enjo (Kon Ichikawa, 1958)
Film ini diadaptasi dari novel Yukio Mishima berjudul The Temple of the Golden Pavilion, yang terinspirasi dari pembakaran Kinkaku-ji di Kyoto oleh seorang pendeta muda Buddhis pada tahun 1950. Peristiwa tersebut mengejutkan Jepang pada saat itu, karena Golden Pavilion dibangun sejak sebelum 1400.
Ceritanya berkisar pada Goichi, seorang pembantu muda Buddhis, yang tersiksa oleh perselingkuhan ibunya yang kejam, dan kematian mendadak ayahnya. Ketika dia tiba di Paviliun Emas untuk studi lebih lanjut, dia juga dibebani oleh gagasan ayahnya bahwa bangunan itu adalah yang terindah di Jepang, oleh keinginan ibunya agar dia menjadi kepala kuil, dan oleh sifat dosa dari kuil tersebut. imam kepala.
Kon Ichikawa menceritakan cerita dalam kilas balik, saat ia menyajikan kejatuhan tak terelakkan dari seorang pemuda yang kepolosannya telah menghancurkannya selamanya. Keputusasaannya, setelah menyadari kebenaran tentang orang-orang dan agama dan latar belakang keluarganya yang keras, adalah alasan yang akhirnya membuatnya melakukan vandalisme.
Film ini menampilkan sinematografi yang luar biasa oleh Kazuo Miyagawa, yang menggunakan gaya statis tradisional untuk memberikan nuansa klaustrofobia pada film tersebut, karena Goichi tampak terperangkap oleh latar itu sendiri.
17. Rickshaw Man (Hiroshi Inagaki, 1958)
Dibuat ulang dari film tahun 1943 dengan judul yang sama, Rickshaw Man menjadi cukup populer di Barat, dan bahkan memenangkan Golden Lion di Festival Film Venesia.
Matsu adalah seorang pengemudi becak yang malang, yang nasib dan hidupnya berubah ketika dia membawa pulang seorang anak laki-laki yang terluka. Bocah itu ternyata adalah putra dari keluarga kelas atas, keluarga Yoshioka, dengan ayahnya, Kapten Yoshioka, yang akhirnya mempekerjakan Matsu untuk mengantar bocah itu ke sekolah dan kembali.
Ketika kapten meninggal, istrinya Yoshiko membesarkan anak itu dengan bantuan Matsu. Tak pelak, mereka berdua menjadi lebih dekat, tetapi mereka berdua tahu bahwa hubungan mereka tidak dapat terjadi karena perbedaan kelas mereka.
Film ini memiliki akhir yang tragis, tetapi cukup santai, karena berfokus pada kejenakaan Matsu dan cinta tak berbalas antara dia dan Yoshiko. Semua karakternya menyenangkan dan bahkan akhir yang tragis meninggalkan aftertaste yang manis, karena mencontohkan karakter Matsu.
Inagaki menampilkan penampilan luar biasa dari Toshiro Mifune sebagai Matsu, dalam peran yang sangat berbeda dari peran yang dia masih dipuji. Dengan cara itu, Mifune membuktikan jangkauannya sebagai aktor.
18. Floating Weeds (Yasujiro Ozu, 1959)
Film ini merupakan remake dari film bisu hitam-putih karya Yasujiro Ozu sendiri yang berjudul A Story of Floating Weeds, yang dirilis pada tahun 1934.
Rombongan teater tiba di kota tepi laut di Laut Pedalaman. Komajuro, sang pemilik, pergi menemui Oyoshi, kekasih lamanya. Mereka berdua memiliki seorang putra bernama Kiyoshi, yang bekerja di kantor pos setempat, tetapi tidak mengetahui bahwa Komajuro adalah ayahnya, mengira dia adalah pamannya.
Sumiko, aktris utama rombongan dan nyonya Komajuro saat ini, menjadi cemburu, dan mengikuti Komajuro, dalam suatu tindakan yang mengakibatkan serangkaian peristiwa yang berakhir dengan dia putus dengannya. Untuk membalas dendam, dia membujuk salah satu aktris muda, Kayo, untuk merayu Komajuro.
Yasujiro Ozu mengarahkan kemenangan sejati realisme, karena ritme film mencerminkan kehidupan sebenarnya dari anggota rombongan teater, tanpa ledakan dramatis dalam bentuk apa pun. Dia berfokus pada keintiman daripada gairah, seperti yang dicontohkan oleh adegan antara ayah dan anak, antara mantan kekasih, dan di antara anggota rombongan.
Gaya pengambilan gambarnya yang berbeda hadir sekali lagi dengan kamera ditempatkan tiga kaki di atas lantai, setinggi mata orang Jepang yang duduk di atas tikar tatami, dan tidak pernah benar-benar bergerak, untuk membuat penonton merasa seolah-olah mereka benar-benar berpartisipasi dalam film, sehingga menjadi lebih mudah menerima karakter.
19. Fires on the Plain (Kon Ichikawa, 1959)
Berdasarkan novel Nobi karya Shohei Ooka, Fires on the Plain tidak diterima dengan baik selama waktu perilisannya, karena dianggap terlalu keras dan suram. Namun, dalam dekade berikutnya, realisme dan pesan anti-perang yang jelas dihargai, dan film ini mendapat posisi yang layak di antara mahakarya dekade ini.
Cerita terjadi di Filipina pada akhir Perang Dunia II, ketika Pasukan Sekutu sedang dalam proses membebaskan pulau dari pendudukan Jepang. Tamura adalah seorang prajurit tuberkulosis yang dikeluarkan dari pasukannya, karena dianggap sebagai beban.
Film ini memulai pengembaraan Tamura ke dalam yang tidak manusiawi, saat ia pertama kali bertemu dengan pasangan yang mencoba mengambil garam tersembunyi mereka, akhirnya membunuh sang istri, dan akhirnya berakhir dengan sekelompok tentara yang telah melakukan tindakan mengerikan untuk bertahan hidup.
Kon Ichikawa merasa bahwa dia harus berbicara tentang kengerian perang, dan dia melakukannya dengan cara yang paling gamblang, tanpa henti menggambarkan gambar seperti luka yang mengeluarkan darah, gigi yang jatuh dari protagonis, dan mayat yang bertumpuk. Namun, gambarnya yang paling aneh berasal dari kanibalisme yang digunakan para prajurit.
Ada saat-saat belas kasih di antara penggambaran neraka ini, dan Kon bahkan berhasil memasukkan humor gelap dan ironis, seperti dalam adegan di mana seorang prajurit yang sekarat berterima kasih kepada Tamura dengan mengatakan, “Aku tidak akan melupakan kebaikanmu selama aku hidup.”
20. Trilogi Human Condition (Masaki Kobayashi, 1959, 1959, 1961)
Trilogi ini didasarkan pada enam jilid, novel otobiografi karya Junpei Gomikawa, diterbitkan dari tahun 1956 hingga 1958. Film ini dianggap sebagai salah satu mahakarya perfilman dunia dan menjadikan Masaki Kobayashi sebagai salah satu sutradara Jepang terpenting pada generasi tersebut.
Human Condition mengikuti kehidupan Sisyphean dari Kaji, seorang pasifis dan sosialis yang mendapati dirinya berulang kali dihancurkan oleh rezim totaliter Jepang pada era Perang Dunia II, ketika ia mencoba untuk menghindari menjadi tentara yang sebenarnya.
Kisahnya akan membawanya dari kamp tawanan perang Manchuria ke depan, dan akhirnya kembali ke Manchuria, saat ia mencoba untuk kembali ke istrinya dalam judul terakhir.
Kobayashi menyutradarai sebuah film tentang keputusasaan eksistensial dan dilema seorang pria yang menolak masyarakat yang ada, tetapi harus tetap bersamanya. Perjuangannya adalah serangkaian tindakan yang benar-benar heroik, saat ia mencoba untuk menghindari tercemar dan bahkan dirusak oleh sistem.
Film ini dipuji karena realismenya, dengan sinematografer Yoshio Miyajima melakukan pekerjaan yang sangat baik dalam aspek ini.
Sebagai Kaji, Tatsuya Nakadai memberikan penampilan yang menakjubkan dalam peran utama pertamanya, dalam sebuah karya yang menjadikannya sebagai salah satu aktor Jepang terbesar pada masa itu.
Perhatikan bahwa meskipun bagian terakhir dari trilogi The Human Condition dirilis pada tahun 1961, itu termasuk di sini, karena saya menganggap trilogi ini sebagai film tunggal.
