Tampilkan postingan dengan label new wave. Tampilkan semua postingan

5 Sutradara New Wave Jepang

japan new wave cinema

Berbeda dengan rekan sezamannya di Eropa seperti nouvelle vague Prancis dan British Free Cinema, New Wave Jepang (nuberu bagu) berasal tanpa bertentangan dengan industri film mapan di negaranya, tetapi di dalam sistem studio itu sendiri.

"Harus ditekankan bahwa sinema avant-garde / politis yang merupakan gerakan New Wave Jepang terjadi dalam konteks arus utama," kata David Desser dalam Eros plus Massacre, bukunya yang menyoal sejarah New Wave. "Semua film utama dalam momen awal New Wave diproduksi di studio film komersial besar, [yang berarti] bahwa gerakan tersebut muncul dalam batas-batas salah satu sinema komersial paling kaku di dunia."

Apa ini juga berarti bahwa banyak pembuat film yang diidentifikasi dengan New Wave ini punya hubungan institusional langsung atau bahkan personal dengan "Big Five" (Kurosawa, Ozu, Mizoguchi, Ichikawa dan Naruse), yang telah mendefinisikan Sinema Jepang klasik lewat karya-karya mereka yang terkenal secara internasional pada tahun 1940-an dan 50-an.

Jadi, seperti yang Desser tunjukkan, beberapa pembuat film yang karyanya diberontak oleh para New Wave, seperti Masako Kobayashi, yang epik tiga bagiannya yang monumental The Human Condition adalah puncak dari kritik liberal-humanis sinema Jepang, justru baru belakangan dapat diidentifikasi sebagai prekursor penting bagi gerakan ini.

1. Nagisa Oshima


shonen nagisa oshima
Shonen / Boy (1969)

“Saya memiliki citra diri saya sebagai pejuang. Saya ingin bertarung melawan semua otoritas dan kekuatan,” Nagisa Oshima pernah berkata. Dari penyutradaraan film pertamanya, Oshima benar-benar seorang pejuang: tidak sesombong pemberontak, memberontak terhadap setiap mitos, tradisi, dan kesalehan Jepang.

Gemar polemik, ia kadang-kadang menolak keseluruhan sinema Jepang, dan tekadnya yang kuat untuk menghapusnya dari karyanya sendiri, penanda-penanda tradisi itu mengarah pada penghindaran awal syut khas "Jepang" dari langit atau orang-orang yang duduk di atas tikar tatami. Yang paling terkenal, ia membuang warna hijau dari film-filmnya karena hubungannya dengan taman tradisional Jepang dan kedekatannya dengan penghiburan rumah.

Warna merah akan menjadi penanda visinya yang mengerikan tentang Jepang, terutama dalam banyak tanda-tanda merah di komposisi-komposisi Boy (1969) yang menakjubkan. Ekstremitas mendefinisikan visi Oshima dan gaya hidupnya: Night and Fog in Japan (1960), misalnya, disyut dalam waktu lama, dan kemarahannya yang jelas pada kegagalan aktivisme sayap kiri Jepang pada 1950-an disandingkan dengan penggunaan teater Brecht.

2. Shohei Imamura


the ballad of narayama shohei imamura
The Ballad of Narayama (1983)

Memulai karirnya di tahun 1950-an sebagai magang di sejumlah direktur, termasuk Yasujiro Ozu dan Yuzo Kawashima, Shohei Imamura secara sadar menolak ketenangan dan kesopanan dari mentor bernama pertama itu dengan epos CinemaScope kasar yang kasar tentang petani dan pelacur, mucikari, pornografer, dan tukang intip, semuanya berusaha mengumpulkan sedikit uang dan (seringkali sekunder) sedikit kebahagiaan.

Kepekaan anarkis dan gaya visual tanpa batas dari Imamura merayakan apa yang dikecualikan dari dunia subtil Ozu: kehidupan irasional, insting, duniawi, jorok, kejam, dan takhayul dari kelas bawah Jepang, yang menurut Imamura tetap tidak berubah selama ribuan tahun. Visi sutradara yang merentang selama berabad-abad mungkin terlihat paling kuat dalam The Ballad of Narayama (1983) yang memenangkan penghargaan, ketika ia memutar novel terkenal oleh Shichiro Fukazawa - yang telah menerima film adaptasi film klasik "Golden Age" milik Keisuke Kinoshita - untuk kegunaannya sendiri untuk membuat kisah yang khas dan bersahaja dalam kisah ini, penuh dengan arak-arakan sengit dan seks yang kasar.

3. Yuzo Kawashima


elegant beast yuzo kawashima
Shitoyakana Kedamono / Elegant Beast (1962)

Tak seperti yang diperbaiki Ozu, jika menghilang, semesta Yuzo Kawashima adalah salah satu fluks dan gerakan yang konstan. Sebagai asistennya, Shohei Imamura, pemuda pedesaan yang suka minum-minum, nokturnal, eksentrik, lemah, dan pemberontak Kawashima mewakili Jepang "asli", dunia yang mendidih di bawah apa yang kemudian disebut oleh Imamura sebagai "lapisan pakaian bisnis dan teknologi canggih."

Jika bagi Ozu hidup itu "mengecewakan" (seperti yang oleh tokoh-tokohnya terkenal di Tokyo Story), bagi Kawashima itu "memalukan," karena ia begitu gemar mengatakan: abashing karena fungsi tubuh, irasionalitas perilaku manusia, bermacam-macam absurditas keberadaan Di paruh kedua kariernya yang singkat, Kawashima dengan suka hati memilih format Scope layar lebar untuk foto-fotonya yang tajam, kadang-kadang kasar, bantal-bantal geisha, ayah gula, dan bola-bola aneh yang menghuni tempat favoritnya: penginapan dan rumah bordil dari "tempat kesenangan". jauh dari kerajaan Ozu yang relatif jarang.

Salah satu dari dua film terakhir yang dibuat Kawashima sebelum kematiannya yang prematur pada usia 45 tahun, Elegant Beast (1962) mungkin adalah mahakaryanya: sebuah sindiran pedas tentang keluarga yang sangat korup, masing-masing anggotanya adalah pakar penipuan dan kemunafikan, skemanya yang tak henti-hentinya membuat rencana yang aneh dan aneh. cermin rumah materialisme Jepang pascaperang.

4. Yasuzo Masumura


seisaku wife yasuzo masumura
Seisaku's Wife (1965)

Tokoh transisi utama antara Zaman Bioskop Jepang dan New Wave, Yasuzo Masumura adalah kohort pemula Oshima, Imamura dkk. Apa yang Jean-Pierre Melville adalah bagi orang Prancis yang samar-samar: ayah baptis, pelopor, ikonoklas, inspirasi.

Dari debut Kisses in Masumura, Oshima terkenal mengatakan bahwa "Saya merasa sekarang bahwa gelombang zaman baru tidak lagi dapat diabaikan, dan bahwa kekuatan yang kuat dan tak tertahankan telah tiba di sinema Jepang."

Seorang pengkhianat intelektual yang tertarik pada ide-ide Barat tentang individualisme eksistensial, Masumura belajar selama dua tahun di Centro Sperimentale Della Cinematografia di Roma - ketika para gurunya termasuk Federico Fellini, Luchino Visconti dan Michelangelo Antonioni - dan pulang ke rumah dengan keyakinan bahwa masyarakat Jepang dan (lebih realistis) film Jepang harus berubah.

Para kritikus menciptakan istilah "ultra-modernisme" untuk menggambarkan langkah serba cepat, komposisi eksentrik, dan penggunaan warna dan desain ironis yang membedakan film-film Masumura, bahkan ketika pendekatan eklektik sutradara menjembatani segala macam mode: dari delirium Tashlinesque dari satire korporatnya Giant and Toys dengan keanggunan yang ketat dari A Wife Confesses (1961), sensasi seperti Seijun Suzuki dari Yukaku Mishima-dibintangi gambar yakuza Afraid to Die (1960) dengan kegembiraan erotis Seisaku's Wife (1965).

5. Hiroshi Teshigahara


woman in the dunes hiroshi teshigara
Suna no Onna / Woman in the Dunes (1964)

Setelah tumbuh selama rezim militeris Jepang tahun 1930-an dan 40-an dan menyaksikan pemboman atom di Hiroshima dan Nagasaki, Hiroshi Teshigara seperti banyak dari rekan-rekannya memeluk filsafat, seni, dan politik Barat, dan tertarik secara khusus kepada Surrealisme, Dada, dan sosialisme.

Ia membuat reputasi internasionalnya di tahun 60-an dengan serangkaian perumpamaan eksistensial menakutkan yang ditulis oleh Kobe Abe dan dicetak oleh Toru Takemitsu, ketika karakter sentralnya sering tidak tertambat atau teralienasi, entah terperangkap dalam perjuangan Sisyphean di pasir, Woman in the Dunes (1964), yang membuatnya mendapatkan nominasi Academy Award untuk Sutradara Terbaik, dibunuh tanpa alasan dalam Pitfall (1962), atau terbebas dari identitas mereka oleh kecelakaan dalam The Face of Another (1966).

Tidak kurang dari gravitasi filosofis, latar, dan desain visual adalah kunci bagi Teshigahara, sehingga lokal, arsitektur, dan atmosfer yang tak dapat dimaafkan, pasir yang selalu menyaring di Woman in the Dunes sama pentingnya dengan film-filmnya seperti bergulat dengan dilema eksistensial.

*

Referensi:

Tragedi dan Teror Putih dalam A City of Sadness (1989)


Dibuka dengan suara redup Kaisar Hirohito terdengar lewat siaran radio yang mengumumkan penyerahan tanpa syarat Jepang pada 15 Agustus 1945. Latar hitam kemudian diterangi oleh cahaya lilin yang mengungkapkan sebuah keluarga Taiwan yang sedang harap-harap cemas mempersiapkan kelahiran di tengah keadaan mati lampu. Ketika listrik kembali pulih, erangan derita dari sang ibu pecah menjadi suara tangis bayi. Sang bayi diberi nama Kang-ming, yang berarti cahaya. Adegan ini seakan merupakan sebuah metafora.

Namun, apakah setelah berakhirnya Perang Dunia II, dunia langsung menjadi cerah? Sebaliknya, kekejaman terus berlanjut, bahkan lebih-lebih.

A City of Sadness menceritakan kehidupan sekeluarga Lin bersaudara selama empat tahun yang penuh gejolak antara penarikan mundur Jepang dari Taiwan setelah 51 tahun pendudukan, hingga pemisahan Taiwan dari daratan Cina pada tahun 1949. Nada harapan dan optimis yang ditampilkan di awal film tersebut tampaknya terbukti tak bisa dipertahankan.

Potret Keluarga dalam Pusaran Konflik Taiwan Medio 1945-1949


a city of sadness
Hinome (Hsin Shu-fen) dan Wen-ching (Tony Leung)

Plot film ini berpusat pada keluarga Lin di Taiwan setelah menyerahnya Jepang pada 1945. Taiwan telah menjadi koloni Jepang selama lima puluh tahun sebelumnya sampai pemerintahan Kuomintang atau Partai Nasionalis Tiongkok mulai mengambil alih pulau itu setelah Perang Dunia II.

Anak tertua dari empat bersaudara di keluarga Lin mengubah bar miliknya yang bergaya Jepang menjadi bergaya Shanghai. Saudara laki-laki Lin kedua menghilang selama perang di Filipina. Saudara ketiga, setelah kembali dari Shanghai dan pulih dari gangguan mental, bergabung dengan penyelundup narkoba. Namun, ketika si sulung mengetahui tentang bisnis ini, ia menyita sejumlah obat-obatan dan melarang saudara ketiga untuk melanjutkan keterlibatannya dengan orang daratan.

Ini membuat orang Shanghai menggunakan koneksi militer mereka untuk menjebak saudara ketiga, dengan menuduhnya sebagai kolaborator Jepang selama perang sehingga berakhir dipenjara. Setelah si sulung berdamai dengan para gangster dari Shanghai, ia akhirnya dibebaskan, kembali dari penjara dengan cacat fisik dan mental. Sang adik bungsu, Lin Wen-ching, tunarungu dan tak bisa berbicara, menghidupi dirinya dari studio foto. Wen-ching dan lingkaran teman-temannya yang masih muda yakin bahwa sosialisme akan menjadi alat pamungkas bagi Taiwan untuk mengusir pasukan kolonial dari luar. Ini adalah posisi yang menjadikan mereka target rezim baru Kuomintang tadi.

Menghadirkan konsekuensi tragis yang dihasilkan dari pola penyalahgunaan kekuasaan yang terus meningkat oleh otoritas daratan, A City of Sadness dengan penuh belas kasih mengartikulasikan keputusasaan dari orang yang berulang kali menjadi korban ketika mereka mencari inklusi dan identifikasi budaya. Melalui perspektif yang terasing, film ini mencerminkan warisan demoralisasi, pengabaian, pengucilan, isolasi, dan pengkhianatan kontemporer Taiwan pada tangan-tangan bermotif politis dari kekuatan-kekuatan eksternal yang mengganggu.

Dengan memusatkan perhatian pada hal yang personal dan subtil, A City of Sadness menyampaikan kekecewaan dan keputusasaan para korbannya, yang jauh lebih efektif ketimbang bila ia memamerkan adegan-adegan orang jahat yang menembaki kerumunan warga. Fokusnya pada orang-orang biasa, bukan tokoh dan peristiwa bersejarah raksasa, yang menjadikan A City of Sadness sebagai karya yang indah dan kuat.

Kemunculan Gelombang Baru Sinema Taiwan di Kala Teror Putih


Hou Hsiao-hsien. Foto: Four Three Film

A City of Sadness adalah salah satu karya Hou Hsiao Hsien yang paling ambisius dan merupakan film Taiwan pertama yang meraih hadiah internasional bergengsi. Jika semua film sebelumnya sering dikritik karena terlalu personal, A City of Sadness berkelana ke dalam sejarah dengan membawa gaya sinematik yang mengarah pada epik kelahiran sebuah bangsa.

Ini adalah film Taiwan pertama yang memulai pembicaraan tentang pengalaman paling traumatis dalam sejarah bangsa, Insiden 28 Februari. Sebuah pembantaian yang terjadi tahun 1947 yang dilancarkan Kuomintang atau Partai Nasionalis Tiongkok yang mengakibatkan 18.000 hingga 28.000 kematian.

Menggunakan keluarga sebagai matriks yang melaluinya untuk menyaring peristiwa-peristiwa bersejarah pada saat pendirian sebuah bangsa, Hou menyajikan kembali sejarah Taiwan dalam perspektif mikro dan makro. Ketika film ini keluar, Kuomintang masih berkuasa, dan tidak ada yang diizinkan untuk berbicara di depan umum tentang peristiwa ini, apalagi bikin film.

Jauh sebelumnya, pada 1947, Kuomintang, melembagakan hukum darurat perang di Taiwan yang bertujuan menekan agitasi kiri yang akan tetap berlaku selama 40 tahun. Selama Teror Putih ini, sinema Taiwan tunduk pada sensor pemerintah dan pembatasan penggunaan dialek Taiwan dalam dialog. Film laga dan melodrama romantis menggantikan film artistik yang politis selama era ini, dan hampir tidak ada film yang mendapat pengakuan di luar dunia berbahasa Cina.

Namun, pada 1980-an, Taiwan memasuki era demokratisasi, dan industri filmnya mengalami fase yang disebut Gelombang Baru. Ketika para sutradara muda mulai membuat film yang memberikan gambaran kehidupan Taiwan yang lebih realistis dan terlokalisasi. Hou adalah salah satu sutradara muda ini, dan A City of Sadness adalah yang pertama dari film-film Gelombang Baru ini yang mendapatkan pengakuan internasional.

Pada akhirnya, lewat obyektivitas yang jauh dan pemutusan sentimental barulah adegan pembukaan dalam A City of Sadness yang menegaskan kehidupan kelahiran Kang-ming dapat ditelisik. Bukan sebagai metafora yang ironis untuk menyimbolkan penyatuan kembali pascaperang dengan China daratan, tetapi sebagai keputusan Taiwan yang menyakitkan secara emosional dan traumatis untuk memutus ikatan leluhur yang berakar dengan ibu pertiwi. Seperti hubungan anak-ibu yang kadang bisa jadi toksik.

*

Referensi: